К 170-летию знаменитого учёного-психиатра Зигмунда Фрейда
«Мы все хотим жить счастливо, не терять внутреннюю опору и стать «лучшей версией себя». Но порой выбираем не те пути, которые только отдаляют нас от цели».
Зигмунд Фрейд (Зигисмунд Шломо Фройд) — основатель психоанализа, один из наиболее влиятельных мыслителей в истории психологии. Его работы о бессознательном, о психических конфликтах, развитии личности оказали огромное влияние на современную психологию, медицину, психиатрию, литературу и искусство XX-го века.
***
Зигмунд Фрейд родился 6 мая 1856 года в городке Фрайберг в Моравии (на тот момент в составе Австрийской империи). Сегодня это место известно как Пршибор, Чехия. У Фрейда было 2 старших сводных братьев от первого брака отца, Эммануэль и Филипп, а также 7 младших братьев и сестёр. В 1860 году, когда отец потерял работу, семейство Фройдов переехали в Вену, которая оставалась домом для Зигмунда Фрейда на протяжении большей части его жизни.
З. Фрейд с отцом Якобом Фройдом. З. Фрейд с матерью Амалией .Дом-музей З. Фрейда в Вене
В 1873 году Фрейд поступил в Венский университет на медицинский факультет. Интерес к нервным расстройствам и психическим болезням у него начал формироваться ещё в студенческие годы под влиянием работ физиолога Э. Брюке и невролога Ж.-М. Шарко, Фрейд активно изучал работы мыслителей и учёных 19 века — Дарвина, Флобера, Шопенгауэра. По окончании университета Зигмунд Фрейд начал работать в госпитале, где его интерес к гипнозу и терапии исторических воспоминаний привел к разработке метода психоанализа. В 1886 году Фрейд открыл свою частную практику.
В 1886 г. З. Фрейд женился на Марте Бернейс, дочери друга и коллеги, с которой у него в дальнейшем родилось 6 детей. Их брак был сложным, но Фрейд, несмотря на собственные внутренние конфликты, придавал большое значение семейной жизни.
Слева-направо: Зигмунд Фрейд с женой Мартой. Фрейд с сыновьями. Фрейд с дочерью Анной
Публикации работ Фрейда по психоанализу в начале 20-го века привлекли внимание и критику как со стороны медицинского сообщества, так и широкой публики.
Его работы «Интерпретация сновидений» (1900 г.) и «Введение в психоанализ» (1917 г.) стали мировыми бестселлерами.
Несмотря на признание, идеи учёного вызывали ожесточенные споры, особенно среди коллег-психиатров и психологов. Тем не менее, Зигмунд Фрейд продолжал развивать собственные теории и методы, привлекая к своей школе психоанализа множество последователей.
В 1923 году у Зигмунда Фрейда был диагностирован рак челюсти. Он перенёс более 30 операций в стремлении справиться с этим заболеванием. Несмотря на мучительные боли и физические страдания, он продолжал работать.
***
Дом-музей Зигмунда Фрейда в Лондоне
В 1938 году, после аннексии Австрии в состав Германии (где к власти пришёл А. Гитлер), Фрейд из-за своего еврейского происхождения эмигрировал в Англию. На тот момент ему было 80 лет. А на следующий год, в сентябре, лечащий врач Фрейда ввёл ему большую дозу морфия — эвтаназия была актом милосердия, прекратившая мучительные страдания знаменитого психиатра. Дом в Лондоне оставался в собственности семьи до 1982 года. После смерти дочери Фрейда, Анны, здесь был открыт музей.
Фрейд заложил основы для понимания глубинных процессов, влияющих на поведение человека. Его идеи продолжают развиваться и интерпретироваться в различных направлениях психотерапии. Многие термины, введенные учёным, вошли в повседневный язык: такие понятия, как «эдипов комплекс», «бессознательное», «психоанализ» стали неотъемлемой частью не только психологии, но и культурной лексики.
***
Интересные факты о Зигмунде Фрейде:
На приёме у Фрейда.
Фрейд обладал феноменальной памятью — кроме немецкого он знал греческий, латынь, английский, французский, испанский, итальянский и древнееврейский языки.
***
Фрейд никогда не смотрел людям в глаза. Невролог избегал взглядов, поэтому есть предположение, что знаменитая кушетка, появившаяся в комнате психоаналитика, связана с этим моментом.
***
Зигмунд Фрейд
Фрейд, знаменитый психиатр, страдал от нескольких фобий(!), включая боязнь путешествий, и чисел связанных со смертью 61 и 62 — Фрейд никогда не селился в гостиницах, в которых числилось больше 61 номера, чтобы избежать попадания в «адскую комнату» под № 62.
***
Фрейд был заядлым курильщиком сигар. И даже после диагностирования страшной болезни Фрейд ещё 20 с лишним лет продолжал жить, работать и …курить.
К 140-летнему юбилею талантливого художника-иллюстратора Константина Кузнецова
Константин Васильевич Кузнецов (6.04.1886 — 30.11.1943) – русский художник, гравёр, один из первых художников-иллюстраторов русских народных сказок, изданных во времена СССР.
Иллюстрации в книге несут огромную смысловую нагрузку, дополняя и раскрывая сюжет произведения. Задача иллюстратора — «рассказать» текст посредством рисунков. И в детских изданиях иллюстрации играют особенно важную роль.
Мы читаем, и у нас в голове рождаются какие-то неясные очертания непонятного пространства, в котором живут не имеющие чёткой внешности книжные герои…Но ведь мы с вами не жили в тридевятом царстве, не встречали в лесу говорящего Серого волка или сбежавшего из дома Колобка…Если бы не фантазия и талант художников-иллюстраторов, предлагающих нам готовые образы сказочных, мифических, исторических и фантастических персонажей, то мы сами вряд ли бы сумели их представить так ярко, так достоверно и так впечатляюще, как это получается у художников-иллюстраторов. А как у них это получается? Загадка!
Ветлуга – это дивные места, лесное Заволжье. Здесь витает дух старой веры, тайных скитов Керженца, богатых Макарьевских ярмарок, основательности русского купечества…
Константин Васильевич Кузнецов родился в крестьянской семье в деревне Починки Васильсурского уезда Нижегородской губернии (ныне республика Марий Эл). В юности служил приказчиком на лесных промыслах на реке Ветлуга.
Юность художника пришлась на начало нового 20-го века — когда менялся кардинально весь мир — Россию сотрясали политические и социальные катаклизмы, мир переполнился научными и техническими открытиями; в мире искусства также происходили свои революции и обновления. Константин Кузнецов увлёкся живописью под влиянием двоюродного брата — известного художника, профессора Академии художеств Леонида Овсянникова.
Удивительная судьба у двух братьев: оба деревенские, благодаря своему таланту оба мальчика сумели проявить себя и попасть в Петербург, пройти обучение в Петербургских заведениях. Леонид закончил Высшее художественное училище при Академии художеств, а Константин, самостоятельно освоив технику рисунка и гравировки, посещал Рисовальную школу при Императорском обществе поощрения художеств.
Однако путь к своему предназначению у Константина Васильевича не был прямым, и после окончания гимназии он поступил в …Психоневрологический институт, который так и не окончил. Видимо жажда искусства взяла верх, и молодой человек полностью отдался поиску своего творческого пути.
Илл. К.В.Кузнецова к сказке «Кот, Лиса и Петушок-Золотой гребешок»
В начале XX-го века в Петербурге (в Соляном переулке) и Москве (в Леонтьевском переулке) были организованы Кустарные музеи – ставшие уникальным российским явлением. Кустарные музеи обеих столиц были культурными центрами, образовательными организациями, предприятиями по изготовлению, продвижению и сбыту товаров русских кустарей. Создавались они и как координирующие центры по производству мебели и декора в русском стиле, вошедшем в моду как в России, так и в Европе в начале 20-го века.
С 1910 по 1913 г. деревянные расписные игрушки, выполненные по эскизам К.В.Кузнецова — барышни, казаки, кони, — экспонировались на выставках Парижского общества независимых художников.
Илл. К.В.Кузнецова к «Аленькому цветочку» С. Аксакова «Три дочери купца»
К.В. Кузнецов сотрудничал с рядом печатных изданий в качестве иллюстратора, в том числе с журналами «Новый Сатирикон», «Аполлон» и «Русская икона». Рисовал шаржи для театральных афиш и программ. В 1913 году из-за болезни лёгких был вынужден уехать на Кавказ в город Пятигорск, где служил на телефонной станции.
В 1922 году Константин Кузнецов вернулся в Москву, где в разные годы работал иллюстратором для издательств: «Детгиз», «ГИЗ», «Молодая гвардия», «Советский писатель», «Красная Нива», «Весёлые картинки», «Мурзилка».
Илл. К.В. Кузнецова
К.В. Кузнецову принадлежит цикл рисунков «Древняя Русь» (1933), юмористические серии «Брем наизнанку» (1939—1940) и «Приключения Бабая» (1942—1943). Параллельно он создавал станковые литографии и гравюры на сказочные темы при помощи разработанного им способа — гравирование сухой иглой по картону с подкраской акварелью или пастелью; работал в техниках ксилографии, стеклографии, литографии, линогравюры и монотипии.
Илл. К.В. Кузнецова к сказке «Волк и семеро козлят»
В 1930-е годы Константин Васильевич работал оформителем Московского Музея детской книги. Во время работы в Музее организовал детский кружок, в котором учил ребят изготовлению и печати книг. Вместе с художницей Екатериной Зонненштраль издал обучающую книгу для дошкольников и их родителей «Я печатник» (1932), где в развлекательной форме преподносились основы книгопечатания.
С 1938 году Константин Васильевич попробовал себя в качестве художника-мультипликатора; как художник-постановщик он участвовал в создании фильма «Сказка о царе Салтане» (1943), эскизы к которому были созданы ещё до начала Великой Отечественной войны 1941-1945гг. Великолепные красочные эскизы К. Кузнецова были настолько выразительны, что издательство «Детская литература» выпустило сказку Пушкина, проиллюстрировав её рисунками Константина Васильевича Кузнецова.
Главное место в творчестве Константина Васильевича Кузнецова всегда занимали иллюстрации русских народных сказок, таких как «Волк и семеро козлят», «Иван-царевич и серый волк», «О молодильных яблоках и живой воде», «Теремок», «Аленький цветочек».
В 1942 Г. Москве вышел сборник сказов П.П. Бажова. Кузнецов оказался одним из самых интересных среди сталинских иллюстраторов. К сказу «Медной горы хозяйка» Кузнецов выбрал не тему борьбы пролетариата, а сакральный момент превращения Хозяйки в ящерицу.
Константин Васильевич создал прекрасные иллюстрации к уральским сказам Павла Петровича Бажова, стихам Самуила Маршака и Агнии Барто.
РУССКИЕ НАРОДНЫЕ СКАЗКИв обработке Алексея Николаевича Толстого.Художник К.В.Кузнецов. Детгиз. 1948г.
Работы К.В. Кузнецова экспонировались на различных всесоюзных и зарубежных выставках, в том числе в рамках Международной выставки «Искусство книги» в Германии; в 1933г., на выставках советской графики в Финляндии и Швеции; в 1938г. в Англии; в 1940г. в США.
Константин Васильевич Кузнецов в 1937 году был принят в Союз художников СССР.
Всего Кузнецов оформил свыше 200 книг; многие книги переиздавались после его смерти. Работы К.В.Кузнецова присутствуют во многих музейных собраниях, в том числе в ГМИИ им. А. С. Пушкина и Государственном Русском музее.
«Непосредственная яркость, присущая сказочности, соединялась в них с какой-то неизъяснимой нежностью. Они были глубоко национальны по самому своему духу, без привычной нарочитой стилизации».
Константин Васильевич Кузнецов умер от туберкулёза в 1943 году в возрасте 57 лет
К 250-летнему юбилею Василия Тропинина — русского художника, последователя романтизма, известнейшего московского портретиста первой половины 19 века.
Василий Андреевич Тропинин родился 30 марта 1776 года в Новгородской губернии, селе Корпово. Отец художника, Андрей Иванович, был крепостным рабом, и принадлежал (!) графу Антону Миниху, внуку знаменитого Христофора Миниха.
За усердную службу Андрей Иванович получил вольную, но остался служить управляющим в имении графа, так как его семья — жена и дети, — продолжали оставаться крепостными. Зато Андрей Иванович смог устроить сына Васю в народную школу в Новгороде, где тот учился 4 года арифметике, чтению, грамматике и чистописанию. Хотя мальчика интересовал только один предмет – рисование.
Юный кондитер. Фото конца 19 в.
Когда дочь графа Миниха вышла замуж за графа Моркова, то к приданному (драгоценностям, посуде и мебели) в придачу в Москву в дом Морковых был отправлен и 14-летний Васька Тропинин. Новый барин живописью не увлекался, а потому отправил мальчишку в Петербург изучать кондитерское дело, считая, что это будет лучшее применение таланту художника: заниматься росписью глазурью по тортам. Кондитерскому мастерству (глазировать фрукты, толочь миндаль для марципана, лепить сахарные цветы) Тропинин несколько лет (!) учился в доме графа Завадовского у графского повара, известного своим мастерством на весь Петербург.
Императорская Академия художеств. Санкт-Петербург
В Петербурге Василий жил под строгим присмотром двоюродного брата графа Моркова. И всё же Тропинину удалось найти тропинку к своей мечте. В то время Петербургская Академия живописи искала дарования в народной среде. Подобная инновация позволяла всем желающим, независимо от сословия и возраста (бедным слушателям даже выдавали карандаши и бумагу), посещать уроки рисования. Вот эти уроки Василий Тропинин и посещал тайно. Брат графа Моркова уговорил того отправить Василия Тропинина на обучение в Императорскую Академию живописи и даже взял на себя все издержки по обучению. Так крепостной художник стал вольнослушателем Императорской Академии художеств, где он проучился 5 лет.
Анна Тропинина, жена художника, 1809 г.Худ. В. Тропинин «Летний зной в Малороссии»
Работы Василия Тропинина заметили не только преподаватели Академии, но и императрица Мария Фёдоровна. Президент Академии А. С. Строганов хотел выхлопотать для Тропинина вольную. Вот только у графа Моркова были на своего крепостного другие планы: в 1804 году (Василию 28 лет) он отправил художника в деревню Куковку под Подольском, чтобы там он был художником, архитектором, кондитером, пастухом и барским лакеем — всем сразу. Но и там Тропинин не оставлял занятий живописью; он писал портреты местных селян: задорных девушек, мудрых стариков. В Куковке В. А.Тропинин познакомился с Анной Катиной, которая стала в последствии его женой. И снова трагедия — Анна была вольной жительницей, но согласно правил «идущая замуж за раба сама рабой становится», и после свадьбы граф Морков записал её в свои крепостные. Через год в семье появился первый ребёнок.
Худ. Василий Поленов «Семейный портрет Морковых» На большом полотне семейства Морковых изображены отец с сыновьями-воинами и старшими дочерьми-невестами, счастливые встречей после окончания Отечественной войны.Арсений Тропинин, сын художника, 1818 г.
В 1812 году во время войны России с Наполеоновской Францией Василий Тропинин находился в Малороссии. После ухода французов из Москвы, москвичи стали возвращаться в свои разорённые дома. Вернулась и семя графов Морковых вместе с крепостными дворовыми людьми. Жизнь в сожжённой Наполеоном Москве постепенно оживала. Тропинин вновь занялся живописью. В отстроенном после пожара доме графа у него появилась мастерская, где он писал портреты своих хозяев, их близких и знакомых дворян. Дворяне, следуя старинной традиции, вновь возрождали в своих домах портретные галереи вместо сгоревших в московском пожаре полотен. Поэтому Тропинин писал портреты соседей графа, многочисленных военных, простых москвичей. Художник от всей души симпатизировал людям, позирующим для него.
«Портрет художника Карла Брюллова», (Брюллов, с которым Тропинин был дружен, отказывался писать портреты москвичей, заявляя: «У вас есть собственный превосходный художник».)«Портрет Н. Карамзина». —1818 г.Н. Карамзин — историк, писатель, реформатор русского языка, автор неологизмов «влюблённость» и «достопримечательность» Портрет Натальи Павловны Паниной
У почитателей таланта Василия Тропинина тот факт, что известный на всю Москву художник продолжал оставаться крепостным рабом, вызывало возмущение. Графу Моркову просто не давали прохода, когда он появлялся на светских приёмах, постоянно заводя разговоры о вольной для Тропинина. И только в мае 1823 года(Тропинину было уже 47 лет), барин дал Василию Андреевичу вольную грамоту. А вот жена художника и их дети так остались крепостными(история, как с его отцом, пошла по кругу…)
Худ. В.Тропинин «Кружевница», 1823 г. Девушка на картине так мила и прелестна, что совершенно забываешь о том, что движения этих маленьких пальчиков должны быть быстры, безошибочны и неутомимыми; изящная шейка и девичий стан выносливы, чтобы помногу часов оставаться в застывшем положении; застенчивый взгляд ангельских глаз должен спрятать усталость от столь кропотливого труда. Однако в этом ангельском взгляде также можно увидеть и тихую радость от красоты дивного узора, вышедшего из-под трудолюбивых ручек девушки… Василий Тропинин. Автопортрет.
Первое что решил сделать ставший свободным Василий Андреевич Тропинин — получить официальное звание художника. В этом же 1823 году он предоставил на художественный суд профессоров Академии несколько своих картин, среди которых была «Кружевница». Тропинин получил за «Кружевницу» звание «назначенного в академики».
Тропинин мог поселиться в Санкт-Петербурге, но столичная карьера не соблазняла его. Художник часто говорил: «Всё я был под началом, да опять придётся подчиняться… то одному, то другому. Нет, в Москву», — и навсегда обосновался в давно любимом городе. С переселением в Москву начался новый период творчества. Здесь художник написал самую поэтическую группу картин изображения молодых женщин за рукоделием. Неустанное портретное творчество сделало художника известнейшим и ведущим портретистом Москвы. В 1824 году Василий Тропинин был удостоен звания академика портретной живописи. Москвичи обожают своего художника: Тропинин как никто другой мог создать настоящий образ человека, каким его знают родные дома, каким он бывает по утрам, без мундира. Такой тип портрета Тропинина в шутку называли «халатным», и за это мастерство его высоко ценили заказчики.
Худ. В. Тропинин «Портрет А. С. Пушкина»
В 1827 году Василий Андреевич Тропинин написал прижизненный портрет Александра Сергеевича Пушкина, ставший самым известным портретом Солнца Русской Поэзии вот уже на протяжении двух с половиной столетий!
***
Друзья, вспомните, где вы можете полюбоваться Тропининским портретом Пушкина (естественно, его копией)? Да-да, портрет А. С. Пушкина висит в вестибюле администрации ЦГБ Миасса (Октября, 9)
***
С 1833 года Василий Андреевич Тропинин на общественных началах занимался с учениками открывшегося в Москве публичного художественного класса (впоследствии Московское училище живописи, ваяния и зодчества). В 1843 году Тропинина избрали Почётным членом Московского художественного общества.
«Женщина в окне» Казначейша Тропинина изображена в момент душевного трепета, в минуты зарождения любви, сомнений и отчаянной невозможности устоять перед соблазном. Провожая утром мужа, она садится у окна и в трактире напротив в номерах видит бравого улана. Очень смущается.«Девушка с горшком роз», 1850 г. Молодая служанка, прижимая к себе горшок с цветущей розой, забирает со стола поддон и игриво смотрит на зрителя. Милое, чуть смущённое лицо, открытый взгляд, гладко зачёсанные волосы и статная фигура девушки, а также крупные розовые бутоны на фоне тёмного колорита комнаты передают непосредственность и живость юной особы и, безусловно, романтически приподнятое настроение всего полотна.
После 1850 года в Москву хлынули резвые художники-иностранцы, готовые писать всех и всё за весьма небольшое вознаграждение. И Василию Тропинину, уже немолодому художнику, привыкшему работать на совесть, вдумчиво, не спеша, было не угнаться за молодёжью в «производстве картин». В этот период художник стал писать портреты «незаметных» жителей Москвы. С его картин того времени на зрителя смотрит«полная палитра социальных типажей русского общества середины 19 века»: отставные солдаты-ветераны, старики, старухи, мальчики-слуги, швеи, прачки – люди, занятые повседневным трудом. Но в каждом из этих образов ощущается неповторимая личность, которую неизменно подчёркивают благородство цветовой гаммы, эстетичности и качество безукоризненного мастерства.
***
В 1955 году умерла жена художника, Анна Ивановна, и Василий Андреевич переехал в Замоскворечье, в Наливковский переулок.. Любимую супругу он пережил всего на 2 года. Похоронили художника на Ваганьковском кладбище
Талантливый живописец Василий Андреевич Тропинин прожил долгую творческую жизнь и создал большое количество портретов современников (около 3 тыс.) Художник исходил из эстетических идеалов своей эпохи 19 века. Василий Тропинин, художник-романист, оказал огромное влияние на творчество последующих поколений русских живописцев, дав начало художественному направлению в русском искусстве — критическому реализму.
Творец из лучшего эфира соткал живые струны их, Они не созданы для мира, И мир был создан не для них!... Михаил Лермонтов, поэма "Демон"
К 170-летию со дня рождения знаменитого русского художника Михаила Врубеля, художника Серебряного века, картины которого наполнены скрытыми смыслами и чувственными переживаниями; основоположник русского символизма.
Михаил Александрович Врубель родился 17 марта 1856 года в Омске.
Отец — Александр Михайлович Врубель, военный юрист, участник Крымской и Кавказской кампаний, в 1855 году прибыл по служебному назначению из Астрахани в Омск вместе с женой Анной Григорьевной, дочерью военного астраханского губернатора Г. Г. Басаргина.
Александр Врубель в кругу детей. 1859 г. (дети слева-направо: Анна, Михаил, Александр, Екатерина)
Когда Мише было 3 года, Анна Григорьевна, простудившись в январские морозы, умерла от воспаления легких в возрасте двадцати трех лет, оставив Александра Михайловича с четырьмя детьми на руках. Спустя 4 года отец будущего художника женился снова: с мачехой, Елизаветой Вессель, у детей сложились добрые отношения: она занималась их воспитанием и образованием.
Худ. М. Врубель Анна Каренина прощается с сыном
Способности Михаила к живописи проявились в возрасте 5-6 лет: однажды, побывав на выставке, мальчик увидел копию с фрески Микеланджело «Страшный суд» и, придя домой, он по памяти воспроизвел картину во всех подробностях.
Однако, по настоянию отца Михаил поступил в Петербургский университет на юридический факультет. Но юриспруденция и живопись это два разно заряженных полюса: Михаил два года учился на втором курсе и так не смог защитить дипломную работу.
Творчество для него стало единственной возможностью примирить бытие с духом. Врубель увлёкся философией, особенно теорией эстетики Канта; создавал иллюстрации к литературным произведениям.
И, конечно, как любую творческую натуру, обуреваемую страстями молодости, Врубеля кружила столичная богемная круговерть: театр, вечеринки.
М. Врубель. Полёт Фауста и Мефистофеля
Познакомившись со студентами Академии художеств, Михаил стал посетителем вечерних рисовальных классов, а в 1880 году поступил в Императорскую Академию художеств. Во время обучения в Академии у Михаила Врубеля сформировался уникальный стиль его работ, напоминающий мозаику; поверхности на его холстах будто вылеплены из пластилина и больше похожи на скульптуры, чем на изображения.
В Академии Михаил Врубель попал в мастерскую Павла Чистякова, учениками которого были И. Репин, В. Суриков, В. Поленов, В. Васнецов и В. Серов — цвет русской живописи.
Вид на Алтарную перегородку в Кирилловской церкви (г. Киев) с четырьмя работами М. Врубеля
В 1883 году Врубель по рекомендации Чистякова уехал в Киев на реставрационные работы Кирилловской церкви. Реставрацией руководил историк искусства Адриан Прахов. 28-летний Врубель показал себя зрелым мастером, создав эскизы для фресок, расписывая стены церкви и написав четыре прекрасные иконы.
Михаил Врубель. 1900 год
Роковой страстью той поры для художника стала Эмилия Прахова, жена историка, которая была на семь лет старше Врубеля и являлась матерью троих детей. Чтобы избавиться от назойливого поклонника жены, Прахов послал Врубеля в Венецию изучать мозаики и фрески. По возвращении из Европы Михаил был уволен и, лишившись постоянной работы, вскоре погряз в долгах. Но это нисколько не останавливало молодого человека. Врубель продолжал жить не по средствам: одеваться у лучших портных, пользоваться дорогим парфюмом, то есть всегда быть изысканным до мельчайших деталей.
Голова Демона, скульптура. Худ. М.Врубель
В 1886 году в Киев навестить сына приехал отец Врубеля, Александр Михайлович. Врубель-старший был потрясён, увидев полотно, над которым его 30-тилетний сын трудился целый год — огромными глазами на него смотрел…Демон!
В 1889 году Врубель переехал из Киева в Москву. И его демон последовал за ним. В Москве художнику предложили участвовать в создании иллюстраций к юбилейному двухтомнику сочинений Лермонтова. К работе над иллюстрациями были также привлечены Валентин Серов, Константин Коровин, Леонид Пастернак. Однако именно врубелевский Демон был наиболее близок к лермонтовскому Демону.
Голова Демона, рисунок. Худ. М. Врубель
Художник создал демонический цикл — ряд картин, принесших ему творческую славу: «Демон и Тамара», «Демон и ангел с душой Тамары», «Голова Демона», «Демон сидящий».
«Демон – это не чёрт и не дьявол, демон – это душа» Михаил Врубель
«Тамара и Демон» — иллюстрация к поэме М. Ю. Лермонтова «Демон». Создана в 1890-1891 годах; выполнена в технике чёрной акварели и белил.
Все чувства в ней кипели вдруг. ..душа рвала свои оковы… огонь по жилам пробегал..Глядя на картину, погружаясь в неё, перестаёшь дышать, замечать всё вокруг — видишь только омуты огромных глаз безгрешной Тамары и виновного во всех грехах Демона. Они не в глаза друг другу смотрят — они в души друг другу смотрят. Против силы взгляда, чувств и обещаний Демона никому не устоять…
Картина Михаила Врубеля «Демон сидящий» выполнена угловатыми мазками, напоминающими мозаику. Перед нами — прекрасное существо, ослепляющее своей дикой красотой, похожее одновременно и на мужчину, и на женщину. В обманной неподвижности Демона читается буйная и неукротимая сверхсила; Демон мрачен и задумчив, его взгляд устремлён в бездну печали и безысходности…
М. А. Врубель в Абрамцево, имении С. И. МамонтоваМ. Врубель. Камин «Микула Селянинович»
Судьба столкнула Врубеля с знаменитым меценатом Мамонтовым. Савва Иванович взял дерзкого и талантливого художника под свою опеку. Врубель переехал из Москвы в Абрамцево, имение Саввы Мамонтова, став участником абрамцевского кружка. Там Михаил Александрович пробовал себя в разных качествах: театрального художника, декоратора, скульптора, керамиста — всё, за что он брался, получалось блистательно!
«Царевна-Лебедь» к сказке Пушкина «Сказка о царе Салтане». Худ. Михаил ВрубельСлева-направо: Михаил Врубель, …, Надежда Забела. 1899 г.
В начале 1896 года Михаил Врубель работал над декорациями и костюмами к опере Римского-Корсакова «Садко», в которой роль Волховы исполняла певица Надежда Забела. Михаил Врубель сделал предложение едва ли не в тот же день, и Забела согласилась. В то же время художник писал картины на сказочно-мифологические сюжеты — «Царевна-Лебедь», «Пан», «Богатырь».
Около 90 раз Надежда Забела пела в театре партию Морской Царевны, и Врубель присутствовал на всех спектаклях жены. По его эскизам создавались все костюмы, которые она носила на сцене и в жизни. Некоторые особо сложные костюмы Врубель сам помогал надевать, сам гримировал и сам выводил Надежду на сцену.
Михаил и Надежда Врубель
В 1900 году Надежда Ивановна готовилась стать матерью. Счастливой паре казалось, что рождение ребёнка ничуть не помешает их богемной светской жизни. В 1901 году родился сын. Вместо счастья на семью Врубелей обрушилось горе — мальчик родился с заячьей губой, что считалось признаком вырождения, и в этом Михаил Александрович винил себя.
Портрет сына. Саввочки
Талантливая и успешная оперная певица Надежда Забела-Врубель оставила сцену. Заботы по финансовому обеспечению семьи легли на плечи художника… Это ухудшило душевное состояние Михаила Александровича: он стал замкнутым, вспыльчивым, страдал жестокой бессонницей. С того времени близкие и знакомые стали замечать, что с художником стало происходить неладное. Совсем скоро болезнь стала чудовищно мешать жизни и работе художника — выматывать, опустошать.
Работа над «Демоном поверженным» буквально кипела: вместо обычных трех-четырех часов художник работал по 14 часов в день. В начале 1902 года картина была представлена публике на выставке «Мир искусства» в Петербурге.
Демон поверженный: ..«И проклял Демон побежденный мечты безумные свои, И вновь остался он, надменный, один, как прежде, во вселенной Без упованья и любви!«..М. А. ВрубельМ. Врубель «Жемчужина»
Тогда же М. А. Врубель по настоянию жены обратился за консультацией к профессору Военно-медицинской академии В. Бехтереву. Доктор обнаружил признаки прогрессивного паралича с глубоким поражением сосудов головного мозга. «Это сказывается на речи и письме; усугубляется, раздражает, эйфория, при которой человек считает себя великим; развиваются серьёзные деструктивные настроения…»
В мае 1903-го умер сын Саввочка от пневмонии. После похорон Врубели уехали в своё имение под Киевом. К весне 1904 года Михаила Александровича поместили в лечебницу психиатра Усольцева. Врубелю стало лучше: он стал есть(до этого он отказывал себе в пище, считая себя недостойным еды).
М. Врубель «Шестикрылый Серафим»
В моменты просветления художник узнавал окружающих, много рисовал. Будучи в лечебнице он написал картины «Шестикрылый серафим», «Роза в стакане», «Жемчужина». Через два месяца Михаил Александрович значительно поправился. После выписки из клиники семья Врубелей переехала в Петербург, где художник вёл жизнь абсолютно здорового человека…
Однако через год, к началу 1905-го, художнику снова пришлось вернуться в клинику Усольцева. Лечение принесло облегчение: после страшного периода жестокой бессонницы к Врубелю вернулся сон. Несмотря на болезнь, Врубель не прекращал работать: он рисовал портреты семьи доктора Усольцева, больных.
Рисунки М. Врубеля из цикла «Бессонница»: в каждом движении карандаша видны следы физических и душевных страданий, рождённых потерей сна: то муки жаждущего в пустыне, бег за миражами, ощущение странности изменённой реальности
Однажды Михаила Александровича в лечебнице навестил поэт Валерий Брюсов.
1904 год. Автопортрет
В. Брюсов о М. А. Врубеле: «Это был хилый, больной человек, в грязной измятой рубашке. У него было красноватое лицо; глаза — как у хищной птицы; торчащие волосы вместо бороды. Первое впечатление: сумасшедший! После обычных приветствий он спросил меня: “Это Вас я должен писать?” И стал рассматривать меня по-особенному, по художнически пристально, почти проникновенно. Сразу выражение его лица изменилось. Сквозь безумие проглянул гений».
К психической болезни на Михаила Александровича обрушилась новая беда — художник начал слепнуть. Болезнь прогрессировала с ужасающей быстротой — закончив портрет Брюсова, Врубель почти не видел своей работы. Михаил Александрович понимал весь ужас своего положения — художник, чьё предназначение «видеть мир», стал слепым. Он снова стал отказываться от еды, пытаясь убедить себя и окружающих, что если он будет голодать 10 лет, то «прозреет и рисунок будет необыкновенно хорош». Врубель избегал встреч с навещавшими его друзьями и родственниками: «Зачем им приходить, я ведь их не вижу».
На похороны М. А. Врубеля пришли художники Н. Рерих, Б. Кустодиев, И. Билибин, В. Серов, А. Бенуа, поэт А. Блок
Через год художник ослеп, окончательно погрузившись во мрак своих галлюцинаций… В последний, сознательный день, Михаил Александрович Врубель особенно тщательно привёл себя в порядок: сам причесался, вымылся с одеколоном; горячо поцеловал руки жены и сестры… и больше уже не разговаривал.
Он умер 14 апреля 1910 года, так и не узнав, что ему присудили звание академика.
«Он умер тяжко больным, но как художник он был здоров, и глубоко здоров» (Усольцев, леч.врач).
Творческий дух — это внутренняя сила, в которой есть свобода мышления, воображение, потребность выражать. Эта энергия движет человеком в создании нового, другого, будь то идея или произведение искусства. Творческий дух питается любопытством и духовным поиском.
Николай Ге — русский живописец, один из лидеров реалистической школы живописи, скульптор, теоретик искусства; один из членов-учредителей Товарищества передвижников.
«Я художник. Этот дар дан не для пустяков, не для удовольствия и не для потехи; дар для того, чтобы будить и открывать в человеке, что в нём есть, что в нём дорого, но что заслоняет пошлость жизни» (Н. Н. Ге).
Николай Ге родился 27 февраля (15 февраля по ст. ст.) 1831 года в Воронеже, в семье помещика Николая Осиповича Ге. Необычную фамилию «Ге» художник унаследовал от прадеда — французского дворянина Матьё де Ге , который эмигрировал из Франции в Россию в 1789-том — в год начала Великой французской революции. Мать, Елена Яковлевна (урождённая Садовская), скончалась от холеры, свирепствующей в тот год в центральных губерниях России, спустя три месяца после рождения сына. Заботы о воспитании новорождённого взяли на себя бабушка Дарья Яковлевна, урождённая Коростовцева, и няня из крепостных. Раннее детство Николая прошло в деревне, потом его отдали учиться в частный пансион, а в 10 лет Николай поступил в Киевскую гимназию . Преподаватели гимназии уже тогда заметили способности Николая к живописи.
Однако по окончании гимназии, в 1847 году, Николай по настоянию отца поступил на физико-математический факультет Киевского университета. Но природный дар и тяга к живописи возобладали, и Николай Ге приехал в Петербург, где тогда жил его старший брат, и стал учеником Санкт-Петербургской Академии художеств. Ещё будучи учеником академии, Ге писал портреты на заказ и давал уроки рисования в домах петербургской знати.
Николай Ге и его картины: 1855 г. «Ахиллес, оплакивающий Патрокла», 1857 г. «Аэндорская волшебница»
В Академии Николай Ге обучался 7 лет. В 1855 году Ге за представленную Совету академии картину «Ахиллес оплакивает Патрокла» получил малую золотую медаль. В 1857 на выпускной экзамен Ге представил картину «Аэндорская волшебница » и получил за неё большую золотую медаль. Сразу же после экзамена, согласно академической традиции, для совершенствования мастерства Николай Ге уехал в Европу. Он жаждал свободы…
«Оставаться здесь я не могу, там, где ширь, где свобода — туда хочу. То, что я узнавал, приобретал, давило меня, отравляло. Не хватало воздуха, свободы».
Портрет Александра Герцена кисти Николая Ге. 1867 г.
В Европе Николай Ге увлёкся идеями Александра Герцена, «властителя дум» демократически настроенной русской интеллигенции. Герцен был запрещён в России и жил в Лондоне. Николай Ге мечтал лично познакомиться с Герценом и написать его портрет.
В Италии Николай Ге прожил несколько лет. Там он написал множество прекрасных пейзажей, глядя на которые можно почувствовать свежесть утреннего ветерка перед наступающим в полдень зноем, влагу песчаного берега, залитого лунным светом, вдохнуть воздух морского простора, стоя над кручей залива…
Николай Ге из тех художников, которым в творчестве была необходима нравственная сверхзадача — Высокая Творческая Цель.
«Художник есть преобразователь жизни» — эта установка была главным творческим кредо Николая Ге.
«Петр I допрашивает царевича Алексея в Петергофе». 1871 г.
Н. Ге настойчиво искал Нравственный Идеал Героя. Сначала он обратился к образу Петра I. Однако, работая над картиной, изучая архивы, расспрашивая историков, Николаю Ге открылось понимание, что Пётр I это бесспорно Великая Личность, но далеко не высокий нравственный идеал.
«Я взвинчивал в себе симпатию к Петру, говорил, что у него общественные интересы были выше чувства отца. И это оправдывало жестокость его, но убивало идеал» (Н. Ге).
Прожив в Европе 5 лет, Николай Ге в 1863 году вернулся в Санкт-Петербург, где представил Императорской академии художеств картину «Тайная вечеря». «Тайную вечерю» Ге написал во Флоренции — он был молод, никому неизвестен, тем не менее взялся за сюжет, к которому обращались, каждый в своё время, гениальные художники: Леонардо да Винчи, Тинторетто, Николло Пуссен, Альбрехт Дюрер. Но Ге решился «заново поднять весь вихрь вечных вопросов, чтобы открыть что-то новое»..
1863 г. Николай Ге «Тайная вечеря».Контраст света и теней подчеркивает внутреннее разделение участников драмы: Иуда совсем рядом с Христом, с самим Источником Света, но он выбирает тьму. Лица Иуды не видно — оно сокрыто в темноте и сам он уходит в ночную темень..В образе Иуды одновременно вызов и щемящее чувство отверженности.
На картине изображена последняя трапеза Христа со своими учениками, на которой произошло пророчество о предательстве Христа Иудой. Так вот это сцена и явилась центром «Тайной вечери» Николая Ге. «В измене Иуды художник увидел не низкий поступок изменника, а протест против учения Христа». Как и большинство Иуда ждал «пришествия Мессии», который свергнет ненавистную власть Рима и вернёт независимость Израилю. Но оказалось, что миссия Христа была… другой. Учение Христа о спасении через любовь к нему, Иисусу Христу, не вмещалось в сознании Иуды — свобода, богатство, процветание еврейскому народу нужны были здесь и сейчас, а не где-то там и потом... Столкновение идейных начал — таков взгляд Николая Ге на причину предательства Иуды.
Александр II приобрёл картину для музея Императорской Академии художеств, и Николай Николаевич Ге, вдохновленный успехом, снова уехал в Италию.
В конце 1869 года Николай Ге вернулся в Россию, где принял горячее и деятельное участие в организации Товарищества передвижников. С 1869 по 1875 год Николай Ге жил и работал в Петербурге. В тот период он написал блестящие портреты известнейших литераторов России: писателя Ивана Тургенева, писателя-сатирика Михаила Салтыкова-Щедрина, поэта Николая Некрасова, историка Костомарова и др.
Портреты кисти Николая Ге (слева-направо): Иван Тургенев, Михаил Салтыков-Щедрин, Николай НекрасовНиколай Ге «Пушкин в Михайловском», 1875 г.
В 1875 году художник покинул Петербург и переехал в Черниговскую губернию (ныне Украина), где купил небольшой хутор Ивановский.
Хутор Ивановский — ныне село Шевченко (Украина)Николай Ге. Фото 1890-х гг.
«Надо мною тяготел вопрос: как жить? Искусство мало дает, искусством нельзя торговать: ежели оно дает — слава Богу, не дает — его винить нельзя. Все то, что мне дорого, — не здесь на рынке, а там в степях. Уйду туда. Я думал, что жизнь там дешевле, проще, я буду хозяйничать и этим жить, а искусство будет свободно» (Н. Ге).
На эту новую жизнь близкие знакомые художника глядели с нескрываемым скепсисом. Николай Николаевич почти всё время посвящал заботам о хуторских делах. В его душе совершился серьёзный переворот — он на время отказался от искусства. Лишь крайняя нужда заставила художника ради получения средств к существованию и выплаты накопившихся долгов написать несколько заказных портретов местных богачей.
Лев Толстой кисти Николая Ге, 1884 г.
В 1882 году Николай Ге прочитал в газете «Современные известия» статью Льва Николаевича о «любовном общении людей с людьми», о разрушении условных человеческих преград, которые разъединяют богача и нищего».
«Как искра воспламеняет горючее, так это слово меня всего зажгло» (Николай Ге).
Художник нашёл в писателе единомышленника, поддержку, нравственную опору. Со временем он, как и Толстой, отказался от имущества, старался не пользоваться наёмным трудом. Ге собственноручно бесплатно клал печи беднякам, считая это делом «настоящим и радостным»; охотно читал Евангелие нищим; а закончив картину, всегда созывал своих соседей-крестьян и показывал им свою работу, внимательно прислушиваясь к их мнению.
Слева-направо: 1. Н. Ге с семьёй. 2. Н.Ге на пасеке. 3. Николай Ге с внучкой Прасковьей и внуком Иваном
Свою приятельницу, пейзажистку Екатерину Федоровну Юнге, Ге будет умолять: «Голубушка, дорогая, ну сделайте это хоть один раз, ну сделайте для меня — пойдите, вымойте бедному человеку пол». Многие воспринимали это как чудачества, но Ге сердцем разделял толстовские взгляды.
Последние десять лет своей жизни с середины 1880-х до своей смерти в 1894-м Николай Ге работал над «Страстным циклом». Казалось, Ге не расставался с Евангелием, бесконечно цитировал его, но он читал его по-своему… Последовал новый ряд картин Николая Ге на религиозные сюжеты — «Выход с Тайной вечери» (1889 г.), «Что есть истина? (1890 г.), «Иуда» (Совесть) (1891 г.), «Суд Синедриона. Повинен смерти» (1892 г.).
Слева-направо: 1. «Выход с тайной вечери Христа и учеников в Гефсиманский сад»; 2. «Христос и Пилат. Что есть истина?» По одной из версий, линия в романе М. Булгакова «Мастер и Маргарита», посвящённая Иешуа Га Ноцри, была вдохновлена картиной Н. Ге «Что есть истина?; 3. «Иуда (Совесть)».
…и, наконец, «Распятие» в нескольких вариантах:
1. 1894 г. «Распятие», (ныне находится: Париж, Музей современного искусства); 2. Николай Ге за работой над картиной «Распятие» (размер полотна 147,5х172,5 см). Фото неизв. автора
«Я долго думал, зачем нужно Распятие… Для возбуждения жалости, сострадания оно не нужно»… «Я сотрясу их все мозги страданием Христа. Я заставлю их рыдать, а не умиляться».
Это эмоциональное потрясение по мнению художника должно было привести зрителя к катарсису — к нравственному воскрешению, как это и произошло с раскаявшимся разбойником. В среде русских литераторов прокатились волны философских споров и суждений:
Лев Толстой в письме Н. Н. Ге о картине «Распятие» (1894) отметил, что это лучшее «Распятие» в мировой живописи: «Я первый раз видел (наконец!) изображение этой страшной трагедии во всём её несолганном и неприбранном ужасе…».
Николай Семёнович Лесков
Иван Бунин в рассказе «На даче» описал происходящее на картине Николая Ге «Это было жестокое изображение крестной смерти, написанное резко, с болью сердца, почти с озлоблением..»
Николай Лесков неоднократно обращался к картине Николая Ге «Распятие» в своих статьях и письмах. «Лесков купил много снимков с неё и рассылал их всем своим знакомым» (Л. Веселитская, мемуаристка).
Многие современники Ге, воспитанные в христианской традиции, картину не приняли — будто в ней нет божественности, нет воскрешения, нет надежды…Картина была удалена с XXII-й выставки Передвижников по личному распоряжению императора Александра III ещё до её начала. Был наложен запрет на публичную демонстрацию полотна в музеях и выставочных залах. Поэтому современники знакомились с картиной на частных квартирах близких друзей художника в Москве и Санкт-Петербурге.
Закончив «Страстной цикл» в 1894 году, художник неожиданно скончался в возрасте 63 лет: Николай Николаевич вернулся в свой хутор Ивановский из поездки в Петербург, внезапно плохо себя почувствовал. В тот же вечер его не стало…
За год до смерти Николай Ге создал собственный автопортрет, который считается одной из лучших работ художника.
Николай Ге. Автопортрет. 1893 г.
P. S. Удивительно, но судьбы Николая Лескова и Николая Ге — очень схожи: оба родились в феврале 1831 года: Лесков 16-го, Ге — 27-го; оба — творческие люди, и тот и другой подвергались жёсткой критике; оба были знакомы с Л. Н. Толстым и разделяли его взгляды на общество, религию и человеческие взаимоотношения; Лесков и Ге даже умерли приблизительно в одно время — Ге в июне 1894-го, а Лесков в феврале 1895-го..
